ギタリストのための楽譜入門：ジャズ・リードシートが読めるようになる基礎知識

ジャズのセッションに参加したい、好きなジャズの曲を演奏してみたい。そんなときこそ、リードシート（メロディとコードが書かれた楽譜）は強い味方です。

リードシートが読めれば、曲の構造を理解し、アドリブ演奏の手がかりを得ることもできます。

ここでは、楽譜が初めての方もスムーズに読み解けるよう、図や譜例を交えながら分かりやすく解説します。

リードシートで出てくる楽譜記号と名称

どれも知っておくと便利な用語なので、ぜひ覚えて活用してみてください。

楽譜のキホン

リードシートを読み解く土台として、まずは音の高さと基本ルールを押さえていきましょう。

音名

音名おんめいは、音の高さを表す世界共通の名前です。ジャズのコードネームは英語（C、D、Eなど）で書かれるので、英語表記に親しんでおきましょう。

以下に、英語、イタリア語、日本語の音名の対応を示します。

英語	C	D	E	F	G	A	B	C
イタリア語	ド	レ	ミ	ファ	ソ	ラ	シ	ド
日本語	ハ	ニ	ホ	ヘ	ト	イ	ロ	ハ

五線譜

五線譜ごせんふとは、音の高さを視覚的に表す仕組みで、5本の平行な横線と、その間の4つの空間で構成されます。

線や空間が上にあるほど高い音を、下にあるほど低い音を表します。

線と間（かん）： 5本の線は下から順に「第1線」「第2線」「第3線」「第4線」「第5線」、4つの空間は下から「第1間」「第2間」「第3間」「第4間」と呼びます。

加線（かせん）： さらに高い音や低い音を表現するときは、五線譜の上や下に短い横線を加えて音域を広げます

この横線を「加線」と言います。

五線譜のそれぞれの線や間が、具体的にどの高さの音（「ド」や「ソ」など）を示すのか、その基準を定めてくれるのが、音部記号おんぶきごうです。

音部記号

音部記号とは、五線譜上の特定の線がどの音の高さを示すのかを定義する記号です。

これにより、五線譜上の全ての音の高さが具体的に決まります。

ジャズの楽譜で主に使用されるのはト音記号とヘ音記号です。

ト音記号

ト音記号は、五線譜の下から2番目の線を「ト音（ソの音、英語ではG）」と定めます。

記号の渦巻きのような部分の中心が、このG音の位置を示しています。

別名「高音部記号」や「トレブルクリフ（Treble clef）」、「Gクリフ（G clef）」とも呼ばれます。

主にギター、ピアノの右手部分の楽譜、ヴォーカル、サックス、トランペットなど、比較的中音域から高音域の楽器や声部で用いられます。

ヘ音記号

ヘ音記号は、五線譜の上から2番目の線を「ヘ音（ファの音、英語ではF）」と定めます。

記号の始まりの点と、その右側にある2つの点が、このF音の線を挟むように書かれます。

別名「低音部記号」や「ベースクリフ（Bass clef）」、「Fクリフ（F clef）」とも呼ばれます。

主にベース、ピアノの左手部分の楽譜、トロンボーン、チェロなど、低音域の楽器や声部で使われます。

ト音記号とヘ音記号の関係（ミドルC）

ト音記号とヘ音記号は、ピアノのように広い音域を持つ楽器の楽譜などで、上下に並べて（大譜表として）使われることがよくあります。

この2つの音部記号で示される音の高さを繋ぐ重要な音が「ミドルC（中央のド）」です。

ミドルCは、ト音記号では五線譜の下に加線を1本引いた位置に、ヘ音記号では五線譜の上に加線を1本引いた位置に示されます。

このミドルCを基準にすることで、２つの音部記号の音程関係を正確に理解することができます。

ハ音記号

ハ音記号は、その記号の中心部分（2つのCを合わせたような形のくびれ部分）が「ハ音（ドの音、英語ではC）」であることを示す音部記号です。

この記号の大きな特徴は、五線譜上のどの線にも置くことができ、その置かれた線がC音になる点です。

これにより、特定の楽器の音域に合わせて、加線をなるべく使わずに楽譜を読みやすくするために用いられます。

ジャズのリードシートでハ音記号が使われることはありませんが、クラシック音楽では大活躍します。五線譜上のどこに置くかで、呼び名と役割が変わるのが特徴です。

例えば第1線に置かれればソプラノ記号、第2線ならメゾソプラノ記号、第3線ならアルト記号、第4線ならテノール記号、第5線ならバリトン記号となります。

ハ音記号の存在を知っておくと、他のジャンルの音楽に触れた際にも役立ってくれるはずです。

調号

調号ちょうごうとは、音部記号のすぐ右に書かれ、その曲の「調（キー）」を教えてくれる便利な記号です。

調号には**シャープ（#）とフラット（b）**の2種類があります。

• シャープ（#）： 特定の音を半音高くする記号
• フラット（b）： 特定の音を半音低くする記号

冒頭に書かれたシャープやフラットは、曲の最後までずっと効果が続き、どのオクターブの音にも適用されます。

シャープを使った調号

フラットを使った調号

調号から具体的なキーを判断する方法は、以下の記事で解説しています。

臨時記号

臨時記号とは、調号の指示とは別に、個々の音符の音の高さ（音程）を一時的に半音単位で変化させるための記号です。以下の5種類があります。

表記	呼び方	効果
	シャープ	半音高くする
	フラット	半音低くする
	ナチュラル	元の音程に戻す
	ダブルシャープ	1音（半音2つ分）高くする
	ダブルフラット	1音（半音2つ分）低くする

臨時記号の効力が及ぶ範囲

臨時記号の効力は、その記号が付けられた音から同じ小節の終わりまで、かつ同じ高さ（同じオクターブ）の音に対してのみ有効です。

オクターブが異なる音や、次の小節の音には影響しません。

具体例で見てみましょう。

• 最初のA音にシャープがついているのでA#として演奏します。
• 2音目、同じ小節内の次に現れる、同じ高さのAの音も、同様にA#として演奏します
• 3音目、同じ小節内であってもオクターブ違うA音には、このシャープの効力は及びません
• 4音目、次の小節に移ると、前の小節のシャープの効力はリセットされるため、元の高さに戻ります。

ナチュラル（♮）の役割

例えば調号によって全てのA音がA#になっている曲で、ある部分だけ一時的に元のA音で演奏したいときにナチュラル（♮）記号を使います。

ナチュラルは、その音に付けられているシャープやフラット（調号によるものも含む）の効力を一時的に解除し、元の音の高さに戻す役割があります。

このナチュラルの効力も、付けられた音から同じ小節内の同じ高さの音までです。

音の長さとリズムのキホン

楽譜から音の高さが読み取れるようになったら、次は音楽のもう一つの重要な要素、音の「長さ」と「リズム」について学んでいきましょう。

一つ一つの音がどれくらいの長さで演奏され、どのように組み合わさってノリ（グルーヴ）が生まれるのか。

このセクションでは、その土台となる知識を解説していきます。

音符と休符の長さ

それぞれの音をどれくらいの長さで演奏するかを表すのが音符で、どれくらいの長さ休むかを表すのが休符です。

音符や休符が示す時間の長さは相対的なもので、最も基本的な長さを持つ全音符ぜんおんぷの長さを「1」とした場合に、他の音符や休符がその何分の一の長さに相当するかで表されます。

以下が、主な音符と休符の種類、そして全音符を「1」とした場合の長さの比率です。

音符の書き方	休符の書き方	長さ
全音符	全休符	1
2分音符	2分休符	2分の1
4分音符	4分休符	4分の1
8分音符	8分休符	8分の1
16分音符	16分休符	16分の1

上記以外に、さらに短い32分音符・休符、64分音符・休符などもあります。

これらの音符と休符の長さの比率を正確に把握することが、楽譜からリズムを正しく読み取り、演奏するための第一歩となります。

付点音符と付点休符

付点ふてんとは、音符や休符の右横に付けられる小さな点のことで、元の音符（または休符）の長さを変化させる記号です。

付点が付くと、その音符（または休符）は元の長さの1.5倍になります。これは、元の長さに、その半分の長さを加えるのと同じです。

例えば、付点4分音符であれば「4分音符の長さ + 8分音符の長さ」となります。

以下が、主な付点音符と付点休符の例と、それらが示す長さです。

付点音符の書き方	付点休符の書き方	長さ
付点全音符	付点全休符	全音符＋2分音符
付点2分音符	付点2分休符	2分音符＋4分音符
付点4分音符	付点4分休符	4分音符＋8分音符
付点8分音符	付点8分休符	8分音符＋16分音符
付点16分音符	付点16分休符	16分音符＋32分音符

複付点ふくふてんについて

音符や休符に点が2つ付くと「複付点音符」になります。

1つ目の点は元の長さの半分を加え、2つ目の点はさらにその半分を加えます。結果として、元の長さの1.75倍になります。

例えば、複付点4分音符は「4分音符 + 8分音符 + 16分音符」の長さになります。

複付点4分音符

複付点4分休符

実際の楽譜で使われることはほぼないレア音符です。見かけたらラッキーと思いましょう。

音符の連結（連桁）

8分音符や16分音符のように、符幹ふかん（ぼう）に符尾ふび（はた）が付いている音符が連続する場合、これらの符尾を太い線でつなげて書くことがあります。

これを音符の連結、または連桁れんこうと呼びます。

連桁を使うと、リズムが視覚的に整理され、まとまりや拍が分かりやすくなります。

8分音符と16分音符の組み合わせ

元のリズム	つなげた書き方

左側の符尾が分かれた表記と、右側の連桁でつなげた表記を見比べてみてください。

同じリズムを表していても、連桁を用いることで音符がグループ化され、拍の感じ方やリズムのパターンがより視覚的に捉えやすくなります。

記譜のポイント

楽譜のスタイルや出版社の慣習、あるいは手書きの譜面などによっては、同じリズムパターンでも連桁を使用せずに、各音符の符尾をそのまま個別に記譜することもあります。

どちらの記譜方法でも、それぞれの音価（8分音符なのか16分音符なのか等）を正確に判断し、同じリズムとして読み取ることが大切です。

拍子記号

拍子記号とは、楽譜の冒頭（通常は調号の直後）に分数のような形で記され、その音楽のリズムの骨格を示す重要な記号です。

下の数字（分母）が基準となる音符の種類を、上の数字（分子）が1小節にその音符がいくつ入るかを表します。

4分の4拍子

最もよく目にする拍子記号の一つが「4分の4拍子」です。

これは、4分音符を1拍として、1小節に4拍入ることを意味します。

ポピュラーからクラシックまで、非常に多くの楽曲で用いられます。「Common Time（コモンタイム）」とも呼ばれ、その頭文字を取って「C」という記号で代用されることもあります。

音符を入れた4小節の例

付点音符を含めた4小節の例

小節と小節線

拍子記号によって定められた一定の拍のまとまりを「小節しょうせつ」と呼びます。楽譜では「小節線」という縦線で区切られます。

小節線があるおかげで、拍の区切りが一目で分かり、楽譜が格段に読みやすくなります。

小節線の無い楽譜例

4分の3拍子

4分音符を1拍として、1小節に3拍入ることを示します。「ワルツ」のリズムとして有名です。

音符を入れた4小節の例

8分の6拍子

8分音符を1拍として、1小節に6拍入ることを示します。

この拍子は、大きく2つのグループ（8分音符3つ＋8分音符3つ）として感じられることが多い複合拍子の一種です。

ジャズ特有のリズムであるスウィングと関連していて、この拍子の感覚を掴むとジャズの理解がいっそう深まります。

スウィングリズムについては、別記事「[ジャズ特有のリズム、スウィングを習得するための考え方]」で詳しく解説しています。

音符を入れた4小節の例

4分の5拍子

4分音符を1拍として、1小節に5拍入ることを示します。一般的な4拍子や3拍子とは異なるため「変拍子へんびょうし」の一つに分類されます。

この拍子で有名な曲が、デイヴ・ブルーベックの「Take Five」です。まずはこの曲を聴いて5拍子の感覚を掴んでみてください。

ジャズでは、既存の4拍子の曲をあえて4分の5拍子にアレンジして演奏することもあります。

音符を入れた4小節の例

これら4つの拍子は、ジャズやポピュラー音楽でも比較的よく使われますが、その他にも様々な拍子記号が存在します。

例えば、4分の7拍子、2分の2拍子（これは「Alla Breve（アラ・ブレーヴェ）」とも呼ばれ、ボサノヴァの基本リズムなどで見られます）などがあります。

まずは、今回紹介した基本的な拍子にしっかりと慣れることから始めましょう。

連符

連符れんぷは1拍や複数の拍といった特定の長さを、通常とは異なる数で均等に分割して演奏するための音符のグループです。

例えば、通常2つに分ける長さを3つの音符で演奏したり、逆に通常3つに分ける長さを2つや4つの音符で演奏します。

連符であることを示すために、音符のグループの上（または下）に分割する数を示す数字（例：3、4、5など）が記され、多くの場合、それらの音符は角括弧（特に休符を含む場合など）でまとめられます。

ここでは代表的な連符をいくつか見ていきましょう。

半拍3連符

これは、8分音符1つ分の長さを、3つの等しい長さの音符で演奏することを意味します。

結果として、それぞれの音符は通常の16分音符よりもわずかに長い、独特のリズム感を生み出します。

1拍3連

これは、4分音符1つ分の長さを、3つの等しい長さの音符で演奏することを意味します。

このリズムは、ブルースで特徴的な、弾むようなリズム（シャッフル・フィール）を生み出す基本となります。

2拍3連

これは、2拍分を、3つの等しい長さの音符で演奏することを意味します。

それぞれの音符は、4分音符よりも少し短いですが、全体としてゆったりとした3つの均等な区切りで2拍を感じるリズムです。

作り方のヒント：4分音符2つ分の長さを3連符として捉え、その音符を1つおきに弾くと2拍3連になります。

3拍4連

これは、3拍分（例えば4分の4拍子における4分音符3つ分の長さ）を、4つの等しい長さの音符で演奏することを意味します。

結果として、それぞれの音符は4分音符よりも少し短いですが、3拍の中に均等に4つの音が配置される独特のリズム感が生まれます。

作り方のヒント：16分音符を応用して作ります。3拍分の4分音符を16分音符にして、2つおきに弾くと3拍4連になります。

4拍5連

これは、4拍分（例えば4分の4拍子における4分音符4つ分の長さ）を、5つの等しい長さの音符で演奏することを意味します。

少し複雑に感じられるかもしれませんが、独特で流れるようなリズム感を生み出します。

作り方のヒント： 4分音符を5連符に分け、1つおきに弾くと2拍5連符が出来上がります。

さらにその2拍5連を1つおきに弾くと4拍5連が出来上がります。

連符を理解することは、表現豊かに演奏するための大切なステップです。

メトロノームに合わせてゆっくり練習をしたり、実際の楽曲の中で連符の効果を聴き込んだりすることで、徐々にその感覚が身についてきます。

様々な連符に挑戦して、音楽の世界をさらに広げていきましょう！

楽譜をスムーズに読むために

基本的な音符や記号、音の高さや長さ、リズムの基礎が理解できたら、次はいよいよ曲全体を音楽的に読み解くステップです。

このセクションでは、演奏の速さの指示（テンポ）や、曲の構成を示す区切り（リハーサルマークなど）、といった、楽曲全体の流れや構造を的確に捉えるための重要な記号や約束事について紹介します。

これらの知識を身につけると、楽譜が「音楽の設計図」となり、演奏にいっそう集中できるようになります。

テンポ表記

テンポ表記は、楽曲をどのくらいの速さ（テンポ）で演奏するかを指示する記号や用語のことです。

楽譜の冒頭や曲調が変わる部分に記され、作曲者や編曲者が意図する速さを伝えてくれます。

ジャズの楽譜でよく用いられるテンポの示し方を見ていきましょう。

メトロノーム記号 （音符 ＝ 数字 [BPM]）

最も一般的なテンポ表記は、特定の音符と数字を「＝」で結んだメトロノーム記号です。

その音符を1拍と考えたとき、1分間に何回拍を刻む速さかを示します。

この数字は、BPM（Beats Per Minute：1分間あたりの拍数）と同じ意味を持ちます。

例えば「BPM = 120」なら、1分間に120回拍を打つ速さとなり、時計の秒針（BPM=60）のちょうど2倍の速さになります。

4分音符を基準にする場合

「4分音符＝120 (BPM)」のように書かれていれば、4分音符を1拍として1分間に120回打つ速さで演奏します。

4分の4拍子や4分の3拍子、4分の5拍子など、4分音符が拍の基本的な単位となる曲で一般的に用いられます。

8分音符を基準にする場合

8分の6拍子や8分の12拍子など、8分音符が拍の基本となる（または細かく感じてほしい）曲では、「8分音符＝120 (BPM)」のように8分音符を基準に書くことがあります。

付点4分音符を基準にした書き方

8分の6拍子のような複合拍子を、より大きな2つの拍（1拍＝8分音符3つ分）として感じてほしい場合は、「付点4分音符＝40 (BPM)」のように付点4分音符で書きます。

これは「8分音符＝120 (BPM)」と同じ演奏速度ですが、拍の感じ方や捉え方が大きく変わります。

速度標語（イタリア語や英語など）

数値での正確なテンポ指示の他に、演奏の雰囲気や大まかな速さを言葉で示す「速度標語」も用いられます。

クラシック音楽では伝統的にイタリア語（Andanteなど）が使われますが、ジャズの楽譜では以下のような英語表記や、ジャズ特有の指示がよく見られます。

• Slow Ballad （スロー・バラード：ゆったりとしたバラードで）
• Medium Swing （ミディアム・スウィング：中くらいの速さのスウィングで）
• Fast （ファスト：速く）
• Up Tempo （アップ・テンポ：非常に速いテンポで）
• Even 8ths / Straight 8ths （イーヴン・エイス／ストレート・エイス：8分音符を均等な長さで演奏する）
• Latin （ラテン：ラテンのリズムで）
• Bossa（ボサ：Bossa Nova（ボサノヴァ）とも。ブラジル起源の、独特のシンコペーションを持ったリズムで）

これらの速度標語は、数値だけでは伝わらない曲のニュアンスやリズムのフィールを演奏者に伝える大切な役割も持っています。

リハーサルマーク

リハーサルマークは、楽譜上の特定の箇所や楽曲のセクションの区切りを明確に示すために記される記号や文字（例：[A]、[B]、[INTRO.]など）のことです。

特にバンドでのリハーサル中、「Aセクションの頭からもう一度」「次はサビの[C]から」といったように、曲の特定の部分をメンバー全員で素早く共有するのに役立ちます。

ジャズのリードシートでも頻繁に用いられ、読みやすさに直結する「道しるべ」になります。

リハーサルマークの有無による楽譜の比較

以下の例を見比べてみてください。

リハーサルマークがない楽譜

リハーサルマークがある楽譜

上の例のように、リハーサルマークがあることで、曲の構成（例：イントロ、Aメロ、Bメロ）が一目で把握でき、曲全体の流れをスムーズに追えます。

リハーサルマークの一般的な付け方と例

ジャズのリードシートでは主に以下の方法で記されます。

• イントロ、エンディングの表記：
  • 曲の導入部分には [INTRO.]、エンディング（アウトロ）部分には [ENDING] や [OUTRO.] などが使われます。
• セクションごとのアルファベット：
  • 楽曲の主要なセクション（ヴァース、コーラス、ブリッジ、ソロセクションなど）の冒頭に、角括弧で囲んだアルファベット（例：[A], [B], [C]…）を順番に振っていきます。
• 繰り返しや変化のあるセクションの表記：
  • 同じメロディやコード進行のセクションが繰り返される場合や、一部に変化がある場合には、プライム記号（’）や数字を使って分かりやすく区別します。（例：[A] → [A’] や [A2] など）
• その他の記号や言葉：
  • 特定のフレーズや間奏部分を示すために [Inter.]（インタールード）、[Solo Section]（ソロ・セクション）、[Vamp]（ヴァンプ：短いフレーズの繰り返し）といった言葉が使われることもあります。また、小節番号そのものを丸や四角で囲んでリハーサルマークとして代用する場合もあります。

リハーサルマークを意識して曲全体の構成や展開を掴む習慣をつけると、楽曲の流れをスムーズに感じ取れるようになるはずです。

コードネーム

コードネームとは、楽譜上でメロディと共に記され、その箇所で鳴らす和音（コード）の種類や構成音を、アルファベット、数字、記号を使って簡潔に示したものです。

特にジャズのリードシートにおいては、メロディとコードネームが楽曲を構成する最も主要な情報となります。これらを読み解くことで、曲のハーモニー構造を理解し、楽譜からより豊かな情報を引き出すことができます。

ジャズ演奏におけるコードネームの重要性

ジャズミュージシャンは、コードネームを瞬時に解釈し、そのコードで使えるスケールやテンションノートを用いて、アドリブを創造していきます。

そのため、コードネームを正確に読み取り理解する能力は、ジャズを深く楽しむため、そして演奏するために必須のスキルと言えます。

コードネーム表記の多様性

コードネームの表記法は世界共通のルールが存在しません。

同じ種類のコードであっても、楽譜の出版社、採譜者、あるいはミュージシャンによって、その表記が異なります。

例えば、マイナーコードは「Cm」「C-」「Cmin」と書かれたり、メジャーコードは「CM7」「CMaj7」と書かれたりします。

表記のバリエーションに親しんでおくと、どの書き方を見ても同じコードとしてスムーズに認識できるようになります。

コードネームの詳しい読み方・種類について

具体的なコードの種類（メジャー、マイナー、セブンスなど）、それぞれの代表的な表記、構成音、このサイトで使っている表記などをまとめたので参考にしてみてください。

ジャズの楽譜を読み書きする

ここまで、ジャズのリードシートをはじめとする楽譜を読むための基本的な知識を学んできました。

これらは、楽譜を読み解き、そこに込められた作曲者や編曲者の意図を理解するための大切な鍵となります。

これらの知識を活かし、音楽理解を深め、ジャズをさらに楽しむ実践ステップへ進みましょう。

1. ジャズの楽譜を「読む」習慣をつけよう

楽譜の知識を深め、実践的な読譜力を養うには、実際に多くのリードシートに触れることが効果的です。 今回学んだ知識を総動員して、メロディラインを追い、コード進行を理解し、曲全体の構成を把握する練習をしてみましょう。

じっくりと時間をかけて繰り返し楽譜を読むことで、徐々に楽譜から音楽が聴こえるようになります。

このサイトでは、パブリックドメインとなったスタンダード曲のリードシートを公開しています。音源と照らし合わせながら読み解いてみてください。

2. 楽譜を「書く」ことにも挑戦してみよう

楽譜を読む力と同時に、自分で楽譜を「書く」ことにも挑戦してみると、音楽への理解は飛躍的に深まります。

好きな曲のメロディを聴き取って音符にする（採譜）、簡単なコード進行を付けてみる、オリジナル曲のアイデアを楽譜に起こすなど、どれも素晴らしい練習です。

楽譜を書くことで、音の高さや長さ、リズム、コードといった音楽の要素がどのように組み合わさって楽曲が成り立っているのかを、より具体的に、そして能動的に学べます。

リードシートを作る具体的な手順は、以下の記事で解説していますので、ぜひ参考にしてください。

3. 楽譜と共に、ジャズをもっと深く楽しむために

楽譜を読む力、そして書く力を養うと、二つの大きな力が手に入ります。

一つは、初めて出会う曲でも、楽譜を見ればその音楽を頭の中でイメージできる力。

そしてもう一つは、ふと浮かんだメロディやアドリブフレーズなどを自分で楽譜にし、形に残すことができる力です。

この記事で得た知識を活かし、たくさんの楽譜に触れ、読み書きし、そして演奏する経験を重ねていってください。きっとジャズがより楽しくなってくるはずです。